- La muestra reúne seis décadas de prácticas artísticas centradas en la corporeidad, con 71 obras de 46 artistas y dos colectivos, con una selección de obra donde destaca la genealogía del performance, una disciplina artística del siglo XX que ha influido en el arte contemporáneo.
- Estará en MARCO del sábado 7 de noviembre de 2026 al domingo 4 de abril de 2027.
El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) presenta Cuerpo, performance y acción: obras de la colección Hirmas, una exposición que ahonda en el cuerpo como territorio de disputa política y estética.
De acuerdo con la curaduría de Virginie Kastel, “la muestra parte del interés por comprender cómo el cuerpo, a través de la acción performática, muestra su potencia crítica frente a los dispositivos de poder que buscan regularlo y disciplinarlo. En este sentido, la performance y la acción persisten como prácticas de resistencia frente a las distintas formas de represión que se ejercen sobre los cuerpos”.
Esta es la primera vez que se organiza una exposición a partir de esta colección privada, considerada una de las más importantes en México. Boris Hirmas empezó su colección hace más de dos décadas y las obras que la conforman han formado parte de diferentes exposiciones en museos de México como el Museo Tamayo y el Museo de Arte Moderno; también en el extranjero como el Museo Reina Sofía y la Bienal de Venecia.
Desde sus inicios, el acervo se ha enfocado en el arte contemporáneo, y siempre ha contado con la asesoría de expertos; uno de ellos fue el destacado curador y crítico de arte Osvaldo Sánchez (1958–2025), quien introdujo al coleccionista al performance art. Para Hirmas, las obras de arte, especialmente esta selección, ayudarán al público a entender el mundo actual, porque reflejan la sociedad, la cotidianidad en distintas épocas y contienen componentes políticos e históricos.
La muestra revela el interés particular del acervo por las prácticas relativas a la corporeidad. El recorrido más que cronológico resulta historiográfico, reuniendo 70 obras creadas a lo largo de seis décadas, desde los años 60 hasta producciones más recientes.
La selección de obra abarca a artistas clave en el arte contemporáneo, desde los más importantes a nivel histórico como son Yves Klein, Günter Brus, Carolee Schneemann, Anthony McCall, Hermann Nitsch, Rudolf Schwarzkogler, VALIE EXPORT, Marina Abramović, Oleg Kulik, Vito Acconci, Paul McCarthy, Judy Chicago, Robert Longo, Ana Mendieta, Tunga, Lara Favaretto, Teresa Margolles, Santiago Sierra, Carlos Amorales, Melanie Smith, Alfredo Jaar, entre otros.
También están presentes nuevas generaciones de artistas, como Carlos Martiel, Enrique López Llamas, Erik Tlaseca, Seba Calfuqueo y Diego Vega Solorza. “El performance es una práctica que habla de la libertad humana, de la identidad, de la fragilidad. También confronta las normativas y lo que se impone, cuestionando las convenciones a través de la transgresión; así, los artistas del performance buscan ejercicios de interpretación crítica”, reflexiona Kastel.
“Creo que el arte contemporáneo ha llegado a sus formas actuales, en parte, gracias a lo que los artistas de performance han descubierto y a su disposición para empujar las fronteras y los límites de lo tradicional”.
Al ser una disciplina que se distingue por su carácter efímero, en tanto la acción ocurre en un sitio y momento específicos, la exhibición reúne registros de esas performances principalmente a través de fotografía y video, aunque también se encuentran otros tipos de registros, como lo son las obras que fueron resultado de una acción.
Por ejemplo, una imagen abstracta compuesta por hollín y barniz sobre lienzo, del artista Santiago Sierra, titulada Pintura realizada por arrojafuegos núm. 17, o la obra Drawing for Ruth and Arlene (from Compressed Women Who Yearned to Be Butterflies series) (1973), de Judy Chicago, una carta firmada por la artista con un dibujo; además, es una obra que no ha sido expuesta anteriormente.
Aunque no está dividida por ejes temáticos, la exposición cuenta con pautas informativas que ayudarán al público a tener una lectura acerca de las propuestas discursivas detrás de las piezas. El recorrido inicia con una serie de obras que reflexionan acerca de la “Experimentación y ruptura”.
En los años sesenta y setenta, los artistas cuestionaban los límites tanto de la representación como de algunos conceptos, como la libertad, la resistencia, la individualidad, el género y la sexualidad, entre otros. Yves Klein utilizaba un tipo de azul para sus obras que patentó a su nombre.
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